Carrodeguas.Com Año II: menos publicaciones, más experimentos

El segundo año del blog marcó un cambio de ritmo. Pasé de las 123 entradas del primer año a solo 55, una bajada considerable de más del 50%. ¿Menos tiempo? ¿Menos ganas? ¿Menos cosas interesantes que contar? Quizá un poco de todo. Muchas de esas entradas eran cortas, casi anecdóticas, pero eso no impidió que siguiera compartiendo mis paranoias, aventuras y ocurrencias. Fue también el año en el que empecé con secciones fijas como los Dixit y las tiras cómicas, con un humor muy enfocado a los frikis de la informática (quizá demasiado). Voy a compartir algunos de los momentos de aquel segundo año:

A la Rica Fonera

Uno de los cacharros tecnológicos del año fue La Fonera. Este pequeño router me permitió extender la red social FON y crearme una red privada en casa. Todo iba bien hasta que un día Lolete, un compañero de clase, me comentó que la señal llegaba hasta un bar cercano. Intrigado, salí a la calle con mi Nintendo DS para comprobar hasta dónde alcanzaba la cobertura. El resultado me sorprendió, pues en línea recta, sin obstáculos, la señal llegaba a casi 150 metros, mientras que con obstáculos se quedaba en unos 50–70 metros. Grabé un vídeo (de calidad lamentable, todo hay que decirlo) y lo subí a YouTube. Aunque esas pruebas fueron sin la Fontenna (que compraría más tarde) sigo sorprendido con el alcance que conseguí. Eso sí, por mucho que afirmase que llegara la señal, dudo que fuera usable a distancias tan grandes. Y a día de hoy sería complicado obtener esos resultados porque el espectro WiFi está mucho más saturado que hace casi 20 años (cuando apenas había media docena, en el mejor de los casos, de redes WiFi a la redonda) y ahora las interferencias harían mella. Es una pena no tenerla operativa ahora sólo para probar, aunque no sé si funcionase. Cabe destacar que durante años le saqué partido "vendiendo" mi conexión a una persona anónima que siempre pagaba puntual y años después (en 2009) invertiría un poco de ese dinero por una más moderna Fonera 2.0. 

Juegos, juegos y más juegos

Aquel año también estuvo marcado por varios descubrimientos en el mundo de los videojuegos; algunos efímeros y otros que dejaron una huella más duradera. Uno de los primeros fue DOFUS, un MMORPG desarrollado por Ankama Games que tenía la particularidad de estar hecho completamente en Flash, lo que le permitía funcionar en Windows, Linux y Mac, algo que no era nada habitual en aquella época. Aunque su estética colorida y su combate táctico por turnos me parecieron interesantes, la barrera del idioma fue un problema, ya que la mayoría de los jugadores eran franceses y tras unas semanas de prueba terminé abandonándolo sin demasiada pena. Lo curioso es que, a diferencia de muchos otros juegos online de la época, DOFUS sigue existiendo hoy en día, habiendo evolucionado muchísimo desde entonces.

Pero si hubo un juego que realmente me atrapó aquel año, ese fue Wolfenstein: Enemy Territory, un FPS gratuito ambientado en la Segunda Guerra Mundial que combinaba acción frenética con un fuerte componente estratégico. Lo jugué tanto que terminé formando parte del clan Morituri, con el que nos metimos de lleno en competiciones como ClanBase y SummerCup (aunque estos enlaces sean aproximados, ayudan a contextualizar la experiencia) donde cada victoria se celebraba como si hubiéramos ganado un Mundial. Eso sí, jugar online con una conexión de 56K en aquella época era un deporte de riesgo. Entre los picos de latencia y los tirones, había momentos en los que aquello parecía más un combate contra mi propio módem que contra el equipo enemigo. Si quieres expandir más allá mis reflexiones acerca de este juego, puedes ver aquí una entrada que le dediqué hace unas semanas.

Windows Vista: If the Final Countdown...

Después de pasar años utilizando Windows XP (de hecho aun tengo varias licencias físicas que regalaba Microsoft a aquellos que estudiábamos informática) decidí dar el salto a Windows Vista, un sistema que prometía ser el futuro pero que, en la práctica, terminó siendo una de las mayores decepciones tecnológicas que recuerdo. Al principio todo parecía ir bien, pero en cuanto activé las actualizaciones automáticas, el sistema empezó a volverse inestable y a reiniciarse en ocasiones sin previo aviso mientras descargaba archivos o trabajaba en algo importante. Tras varios intentos de hacerlo funcionar sin que me estropeara el día, terminé rindiéndome y volviendo a Windows XP, algo que pocas veces he hecho con un sistema operativo, pero que en este caso fue la única solución viable para evitar seguir perdiendo el tiempo con un sistema que no estaba preparado para el mundo real. Y fue algo que me molestó mucho pues lo había comprado original y me daba mucha rabia no sacarle utilidad.

Cambios de nombre y otros

Uno de los cambios más importantes de aquel año fue el cambio de nombre del blog. Hasta ese momento, se llamaba Rahkephon’s Corner, un nombre que tenía cierto sentido para mí, pero que no terminaba de encajar con la identidad del blog. Así que, después de pensarlo un poco, decidí rebautizarlo como El Condensador de Fluzo, en honor a Regreso al Futuro, que siempre ha sido una de mis sagas favoritas. Con el cambio de nombre también llegó un rediseño del blog, con colores estridentes que, en aquel momento, me parecieron una gran idea y eran casi la norma online de cualquier web. Además, empecé a escribir sobre temas más variados, como Ubuntu, la Fórmula 1 o algunas webs curiosas que no merece mucho la pena comentar.

Así concluía un segundo año lleno de cambios, experimentos y descubrimientos: menos entradas, sí, pero con más cacharros, juegos y anécdotas tan surrealistas. La tecnología cambia, los juegos evolucionan y los nombres de los blogs se reinventan, pero lo único que permanece es esa inagotable necesidad de compartir cada paranoia, cada aventura y cada ocurrencia.

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Juego 028: Peggle para PC (2007)

Peggle es uno de esos juegos que, aunque a primera vista parezcan simples, esconden una profundidad y un encanto que los convierten en experiencias inolvidables. Este título, desarrollado por PopCap Games y lanzado originalmente en 2007 para PC, es un ejemplo brillante de cómo una idea sencilla puede convertirse en algo adictivo y memorable. En mi caso, llegué a Peggle por pura curiosidad tras escuchar a varios amigos hablar maravillas sobre él, y lo que comenzó como "voy a probarlo un rato" terminó siendo una obsesión durante unas semanas por superar mis propios récords y alcanzar la perfección en cada nivel. Porque el concepto del juego no podría ser más directo: tienes un tablero lleno de pegs (esos pequeños puntos que parecen clavijas) distribuidos de forma estratégica y un número limitado de bolas para eliminarlos. El objetivo principal es despejar los pegs naranjas mientras aprovechas rebotes, tiros imposibles y un poco de suerte para maximizar tu puntuación. Cada disparo es una mezcla de habilidad, estrategia y caos controlado, con la física del juego haciendo maravillas para que incluso los tiros más simples se sientan emocionantes. Y cuando logras eliminar el último peg naranja, el juego te recompensa con una explosión visual y sonora mientras suena "Ode to Joy" de Beethoven. Es un momento que nunca pierde su magia, no importa cuántas veces lo escuches.

Gráficamente, Peggle no busca impresionar con efectos espectaculares ni gráficos avanzados (recordemos que estamos hablando de 2007), pero su diseño colorido y limpio hace que todo sea perfectamente legible y agradable a la vista. Sin embargo, donde realmente brilla es en su audio. Cada peg golpeado tiene un sonido satisfactorio que refuerza la sensación de progreso, y las melodías alegres acompañan perfectamente el ritmo del juego. Pero el verdadero protagonista es ese clímax musical cuando completas un nivel: pocos juegos logran transmitir tanta satisfacción con una simple pieza clásica.

Por supuesto, no todo es perfecto. Algunos niveles pueden sentirse frustrantes debido a la aleatoriedad inherente de los rebotes, lo que puede hacer que incluso los mejores planes se desmoronen en segundos. Además, aunque el juego tiene desafíos adicionales diseñados para los más perfeccionistas, su simplicidad puede hacer que algunos jugadores lo abandonen tras completar el modo Aventura.

Y después de haber disfrutado Peggle durante horas interminables en PC, no pude resistirme a comprarlo nuevamente cuando llegó a Xbox 360. Y, sinceramente, fue como redescubrir el juego desde una perspectiva completamente nueva. La versión para Xbox Live Arcade, lanzada en 2009, no solo mantenía toda la esencia del original, sino que añadía un par de características que lo hacían aún más divertido y accesible.

Hoy en día, acceder a Peggle sigue siendo relativamente sencillo si tienes un PC o alguna consola retrocompatible como Xbox One o Series X/S. Sin embargo, encontrar versiones físicas o ediciones originales puede ser complicado debido al paso del tiempo y a la transición digital de muchos títulos casuales como este. Por suerte, Peggle ha dejado un legado importante con secuelas como Peggle Nights o Peggle 2, aunque estas últimas no siempre han estado a la altura del original debido a decisiones cuestionables como exclusividades por plataforma o cambios en su modelo de distribución.

Curiosidades:

• El desarrollo de Peggle está inspirado en el pachinko, un juego físico japonés que combina azar y habilidad. De hecho el juego comenzó con meses de prototipos que exploraron diferentes combinaciones entre pachinko, pinball y Breakout.

• Una versión especial del juego llamada Peggle Extreme fue creada para acompañar la colección The Orange Box de Valve en 2007. Esta versión incluía niveles temáticos basados en juegos como Half-Life y Portal.

• El nombre del juego pasó por varias iteraciones: primero fue Pego, luego Pogo. Sin embargo, el nombre Pogo ya estaba registrado por EA para su portal de juegos Flash, lo que obligó a cambiarlo a Peggle.

Peggle es mucho más que un simple juego casual; es una experiencia diseñada para hacerte sentir bien con cada disparo perfecto y cada rebote inesperado. Es uno de esos títulos que demuestran cómo las mecánicas más sencillas pueden convertirse en algo extraordinario cuando se ejecutan con cuidado y creatividad. Si nunca lo has jugado, te recomiendo darle una oportunidad: puede parecer simple al principio, pero te aseguro que descubrirás rápidamente por qué tantos jugadores siguen recordándolo con cariño más de quince años después de su lanzamiento. Y si ya lo jugaste... bueno, sabes perfectamente lo difícil que es resistirse a esa última partida antes de apagar el ordenador.

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NES: La consola que redefinió la historia

En los años 80, la industria de los videojuegos enfrentaba una de sus mayores crisis. Después del colapso del mercado en 1983 provocado por una saturación de consolas de baja calidad y juegos mediocres, muchos expertos auguraban el fin de los videojuegos como un fenómeno pasajero. Las tiendas estaban llenas de cartuchos sin vender, las empresas cerraban, algunas incluso enterraban con vergüenza sus excedentes y la confianza del público en esta forma de entretenimiento parecía haber desaparecido. Sin embargo cuando Nintendo lanzó su revolucionaria consola Nintendo Entertainment System (NES) en 1985 en Estados Unidos, todo cambió. Este dispositivo no solo revivió la industria, sino que redefinió lo que significaba jugar en casa, sentando las bases para el futuro de los videojuegos tal como los conocemos hoy. Pero detrás de este éxito se encuentra una historia fascinante que abarca su origen en Japón como Famicom, sus innovaciones técnicas, los desafíos comerciales que enfrentó y un catálogo de juegos inolvidable que marcó a toda una generación y, sin saberlo, también las venideras.

Los Primeros Pasos

Antes de conquistar el mercado occidental con la NES, Nintendo ya había comenzado a explorar el mundo de las consolas domésticas. En 1977 lanzó la serie Color TV-Game en Japón, una línea de sistemas simples que incluía juegos preinstalados como versiones básicas de Pong. Aunque tuvieron cierto éxito en su país, estas máquinas no tenían la capacidad para competir a nivel global ni para ofrecer experiencias complejas. Y no fue hasta en 1983 cuando Nintendo apostó por algo más ambicioso: el Family Computer o Famicom. Esta consola debutó en Japón con títulos como Donkey Kong, Popeye y Donkey Kong Jr., basados en sus populares máquinas arcade. El diseño inicial del Famicom era muy diferente al NES que conocemos hoy. Con un aspecto juguetón y colorido, se parecía más a un dispositivo infantil que a una máquina tecnológica avanzada. Sin embargo, su potencia técnica y su precio accesible la convirtieron rápidamente en un éxito en Japón. Pero Nintendo tenía ambiciones mayores: quería conquistar el mercado estadounidense. Para ello, inicialmente buscó asociarse con Atari, una empresa que dominaba el sector en ese momento. El plan era que Atari distribuyera la Famicom bajo el nombre "Nintendo Advanced Video Gaming System". Sin embargo, las negociaciones colapsaron debido a disputas relacionadas con los derechos de Donkey Kong y su aparición no autorizada en la consola Coleco Adam.

Con las puertas cerradas por parte de Atari, Nintendo decidió arriesgarse y lanzar la consola por su cuenta; pero había un gran obstáculo: tras la crisis del mercado de videojuegos en 1983 los minoristas estadounidenses desconfiaban profundamente de cualquier producto relacionado con esta industria. Para superar este desafío Nintendo adoptó una estrategia revolucionaria para la época; rediseñaron la consola para darle un aspecto más serio (cercano a los VHS de la época) y la comercializaron como un "Sistema de Entretenimiento" en lugar de una simple consola de videojuegos. Incluso incluyeron accesorios como R.O.B., un robot interactivo diseñado para hacer que el sistema pareciera más innovador y educativo.

El resultado fue un éxito rotundo. Cuando la NES llegó a Estados Unidos el 18 de octubre de 1985, acompañado por juegos como Super Mario Bros. y Duck Hunt, capturó inmediatamente la atención del público. En Europa, donde se lanzó un año después, también logró conquistar a los jugadores y consolidar su lugar como líder del mercado.

Innovaciones Técnicas

Desde un punto de vista técnico, la NES representó un salto significativo respecto a las consolas previas. Utilizaba un procesador Ricoh 2A03 basado en la arquitectura MOS 6502 con una frecuencia de 1.79 MHz (en Estados Unidos) o 1.66 MHz (en Europa). Su capacidad gráfica permitía mostrar hasta 256x240 píxeles con una paleta limitada pero efectiva de 48 colores y seis tonos grises. Estas especificaciones permitieron crear mundos más detallados y coloridos que lo visto antes. Una innovación crucial fue el chip 10NES, diseñado para evitar la piratería y garantizar que solo los cartuchos licenciados por Nintendo funcionaran en la consola. Este sistema ayudó a mantener altos estándares de calidad en los juegos lanzados para la NES, diferenciándolo de las consolas anteriores que habían sufrido por títulos mediocres o defectuosos. Sin embargo, este chip también causaba problemas técnicos: si no lograba establecer conexión adecuada entre el cartucho y la consola, provocaba reinicios constantes acompañados del famoso parpadeo rojo en la luz LED frontal.

En Japón, Nintendo lanzó además el Famicom Disk System, un accesorio que usaba disquetes regrabables para almacenar juegos más grandes y guardar partidas sin necesidad de contraseñas largas. Aunque este dispositivo fue popular entre los jugadores japoneses gracias a títulos exclusivos como The Legend of Zelda, nunca llegó oficialmente a Occidente.

Accesorios: ¿Avances o fracasos?

Uno de los aspectos más interesantes es la cantidad de periféricos que se lanzaron para ampliar sus capacidades. Algunos fueron auténticas innovaciones, mientras que otros quedaron en el olvido. Entre los más recordados se encuentra R.O.B. (Robotic Operating Buddy), un robot diseñado para hacer que el NES pareciera más un juguete educativo que una simple consola. Aunque su concepto era ambicioso, su funcionalidad era limitada: solo era compatible con Gyromite y Stack-Up, y sus movimientos eran lentos y poco precisos. Otro accesorio que dejó huella fue la NES Zapper, la icónica pistola de luz que permitía jugar títulos como Duck Hunt y Hogan’s Alley. A diferencia de R.O.B., este accesorio sí fue bien recibido y se convirtió en un clásico de la consola. Pero no todo fueron éxitos. Uno de los fracasos más notables fue el Power Glove, un guante con sensores que prometía una experiencia de juego inmersiva. En teoría, permitía controlar los juegos con movimientos de la mano, pero en la práctica era impreciso y difícil de usar. Solo tuvo dos juegos diseñados para él y rápidamente cayó en el olvido, aunque con el tiempo se convirtió en un objeto de culto entre los coleccionistas.

Otros periféricos destacables fueron el Power Pad, un tapete que detectaba movimientos (precursor de los tapetes de baile de los años 2000), el NES Advantage, un control tipo arcade con botones turbo, y el U-Force, un intento fallido de control sin contacto que usaba sensores infrarrojos para detectar movimientos, aunque curiosamente funcionaba bastante bien.

El Impacto Cultural

El impacto cultural de la NES trascendió los videojuegos, convirtiéndose en un elemento cotidiano en la vida de muchas personas, especialmente en Estados Unidos. En este contexto, no solo era una consola, sino un ícono que representaba el auge de los videojuegos como entretenimiento masivo. Este fenómeno cultural fue tan grande que la marca Nintendo pasó a convertirse, de alguna manera, en un sinónimo de videojuegos en sí misma, algo que se percibía en muchas partes del mundo, como si cualquier consola de videojuegos fuera directamente una "Nintendo". La consola apareció con frecuencia en películas, programas de televisión y otros medios, lo que consolidó aún más su presencia en la cultura popular.

En el cine, The Wizard (1989) es uno de los ejemplos más representativos de este fenómeno. En esta película la NES tiene una aparición estelar en una de las escenas más memorables donde el protagonista, un niño con una habilidad sobresaliente para los videojuegos, juega a Super Mario Bros. 3 antes de su lanzamiento oficial. La película no solo sirvió para promocionar el juego, sino que también posicionó a la NES como un símbolo de la nueva generación. 

Por otro lado, en Los Cazafantasmas II (1989), la NES hace una aparición más que curiosa. Los protagonistas, en una escena memorable, utilizan el joystick NES Advantage para mover la Estatua de la Libertad mediante el uso de tecnología psíquica. Esta escena no solo muestra la NES como un elemento de entretenimiento, sino que también la vincula con una tecnología avanzada e innovadora, un reflejo de cómo los videojuegos y la cultura pop comenzaban a fusionarse.

Además, la influencia de la NES se extendió a otras series de televisión y películas que definieron la década de los 80 y los 90. En El príncipe de Bel-Air, por ejemplo, se ve cómo el protagonista, Will Smith, se enfrenta a su primo Carlton en una partida de Super Mario Bros., lo que demuestra la penetración de la consola en la cultura juvenil y urbana de la época. Por otro lado, en Regreso al Futuro II (1989), se hace referencia a una máquina arcade llamado "Wild Gunman" que triunfaría en NES años después; evidenciando cómo los videojuegos se visualizaban como un entretenimiento del futuro. En Boyz n the Hood (1991), la NES aparece como un símbolo de la vida en los barrios urbanos, y la consola se presenta como un medio de escape y diversión para los jóvenes de la época. Este tipo de referencias, muchas veces sutiles, mostraron cómo la NES no solo estaba transformando la industria del entretenimiento, sino también cómo se estaba integrando en la vida cotidiana de las personas.

Modernizando, tal vez un poco tarde

Uno de los capítulos menos conocidos, pero igualmente interesantes, en la historia de la Nintendo Entertainment System (NES) es el lanzamiento de su versión rediseñada y compacta conocida como la Top Loader, o más formalmente, el NES-101. Introducida en 1993, esta variante apareció en un momento en el que la atención de los jugadores ya se había desplazado hacia consolas más avanzadas como la Super Nintendo Entertainment System (SNES) y la Sega MegaDrive. Sin embargo, Nintendo decidió apostar por esta revisión como una forma de mantener viva su consola de 8 bits en el mercado, especialmente entre aquellos que buscaban una alternativa más económica o simplemente deseaban experimentar los juegos clásicos de la NES con un diseño más moderno y práctico.

Esta revisión se caracterizó por su diseño compacto y minimalista, que marcaba un claro contraste con el modelo original. Abandonando el voluminoso sistema de carga frontal que imitaba a un reproductor VHS, esta versión volvió al formato de carga superior, similar al del Famicom japonés con lo cual este cambio no solo simplificó el diseño, sino que también solucionó uno de los problemas más notorios del modelo original: las fallas recurrentes del mecanismo de inserción frontal, que a menudo causaban problemas de conexión entre los cartuchos y la consola. Además, el rediseño incluyó un nuevo modelo de mandos que mantenían la funcionalidad clásica pero con bordes más ergonómicos, mejorando la comodidad durante largas sesiones de juego. En términos técnicos esta nueva versión mantenía las mismas especificaciones internas que su predecesora, lo que garantizaba plena compatibilidad con todo el catálogo de juegos existente. Sin embargo, algunos recortes se hicieron evidentes en comparación con el modelo original. 

A pesar de sus méritos no cuajó por lo que no tuvo un impacto comercial significativo debido al contexto temporal en el que se lanzó. En 1993, los gráficos en 16 bits ya dominaban el mercado y los jugadores estaban ansiosos por explorar experiencias más avanzadas tecnológicamente. Por esa mala acogida, hoy en día es considerada un objeto codiciado entre coleccionistas debido a su rareza relativa y su diseño único dentro de la familia NES. Representa no solo una solución técnica a los problemas del modelo original, sino también un testimonio del compromiso continuo de Nintendo por mantener viva su herencia incluso cuando las tendencias del mercado parecían haber dejado atrás a las consolas de 8 bits.

Un Legado Inmortal

Aunque descontinuado oficialmente en 1995 tras vender más de 61 millones de unidades a nivel global, el legado de la NES sigue vivo hoy, no solo a través de reediciones retro como la NES Classic Edition o plataformas modernas como Nintendo Switch Online, sino como una pieza clave en la historia del entretenimiento. La NES no fue simplemente una consola, fue el catalizador de una revolución, no solo para Nintendo, sino para la industria de los videojuegos en su totalidad. Su impacto es tal que hoy, décadas después, sigue siendo uno de los pilares sobre los que se construyen los videojuegos modernos.

Más allá de su hardware o sus títulos icónicos como Super Mario Bros., The Legend of Zelda y Metroid, la NES destacó por algo mucho más profundo: su habilidad para revivir una industria moribunda, prácticamente arruinada por la saturación de consolas y la caída de la confianza del público. En una época donde la industria estaba al borde del colapso, la NES no solo rescató los videojuegos, sino que redefinió lo que podría ser este medio. 

Y aunque la NES nunca alcanzó los números de ventas de futuras consolas como la PlayStation 2, sigue siendo una de las consolas más vendidas de todos los tiempos, ocupando la 11ª posición en la lista global de consolas más vendidas. A día de hoy, su influencia es innegable: la NES forjó las bases de lo que es Nintendo, y sin ella, el mundo de los videojuegos tal vez nunca hubiera tomado el mismo rumbo. Con ello no cabe duda pensar que la historia del NES es mucho más que tecnología; es una narrativa sobre audacia, innovación y los riesgos que valen la pena tomar. Es un recordatorio de cómo una visión clara puede cambiar el rumbo de una industria, y cómo una consola puede trascender su tiempo para dejar una huella imborrable.

Esta primera consola de Nintendo no solo fue un producto, sino el renacimiento de una industria. Sin su aparición, los videojuegos tal vez no existirían de la forma en que los conocemos hoy. Más allá de números y datos, su legado sigue vivo en cada juego que jugamos, en cada franquicia que amamos. La NES no solo cambió el juego; lo reinventó para siempre.

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Juego 027: TMNT II: The Arcade Game para NES (1990)

Teenage Mutant Ninja Turtles II: The Arcade Game para NES fue, sin duda, uno de esos juegos a los que más horas le dediqué durante mi infancia. Junto con Double Dragon II (del que hablaremos en otro momento) este título de Konami marcó una verdadera revolución en mi círculo de amigos de aquel entonces. Y no es para menos... Gráficamente era impresionante para la época y su jugabilidad cooperativa lo convertía en una experiencia difícil de igualar cuando jugabas con un amigo. De hecho, junto a Super Mario Bros., este era uno de esos juegos que parecía estar en todas las casas... menos en la mía. Pero eso no era un problema para mí: tenía la suficiente cara para pedir prestado el cartucho y pasar horas repartiendo mamporros pixelados.

Lanzado en 1990, este juego no era simplemente un port directo del arcade original; Konami se esforzó por adaptarlo al hardware limitado de la NES añadiendo contenido exclusivo que lo hacía destacar por sí mismo. Por ejemplo, niveles como el enfrentamiento contra Tora (una bestia de hielo) o Shogun (un samurái robótico) no estaban presentes en la versión arcade y le daban un toque único a esta adaptación casera. La premisa del juego era sencilla pero efectiva: elegías a una de las Tortugas Ninja (Leonardo, Donatello, Raphael o Michelangelo) y te embarcabas en una misión para rescatar a April O’Neil y Splinter del malvado Shredder. Los niveles seguían el clásico esquema del género beat 'em up: avanzabas de izquierda a derecha enfrentándote a oleadas interminables de soldados del Clan del Pie hasta llegar al jefe final.

Recuerdo que lo primero que me impresionó fue cómo Konami logró capturar la esencia del arcade original dentro de las limitaciones técnicas de la NES. Aunque los gráficos no podían competir con los de las recreativas, el diseño artístico era sorprendentemente fiel: las Tortugas estaban bien diferenciadas gracias a sus armas y bandanas, los enemigos eran reconocibles y los jefes finales como Bebop, Rocksteady o Baxter Stockman tenían un nivel de detalle que destacaba en comparación con otros juegos de la consola. Sin embargo, no todo era perfecto. Cuando había demasiados enemigos en pantalla (algo habitual en este tipo de juegos) los gráficos sufrían ralentizaciones y parpadeos que podían ser molestos. En aquel entonces, esto era algo común y lo aceptábamos como parte de la experiencia aunque hoy es fácil verlo como una limitación técnica evidente, pero en su día no nos impedía disfrutar del juego.

La jugabilidad también tenía sus luces y sombras. Con solo dos botones (uno para saltar y otro para atacar), los controles eran sencillos e intuitivos, lo cual hacía que cualquiera pudiera coger el mando y empezar a jugar sin complicaciones. Movimientos como las patadas voladoras o el ataque especial llamado "salto-slash" (combinando A+B) eran fáciles de ejecutar y resultaban esenciales para avanzar por los niveles más complicados. Este último movimiento se convirtió rápidamente en mi favorito porque no solo hacía más daño que los ataques normales, sino que además te permitía esquivar algunos golpes enemigos con cierta "elegancia". Sin embargo, esa misma simplicidad podía volverse repetitiva tras muchas partidas, especialmente si jugabas solo. Porque, por otro lado, lo que realmente elevaba la experiencia era el modo cooperativo. Jugar con un amigo transformaba por completo el juego: mientras uno distraía a los soldados del Clan del Pie, el otro podía acabar con ellos estratégicamente o simplemente lanzarse al caos sin pensarlo demasiado. Las risas estaban garantizadas cuando uno caía derrotado justo antes de enfrentarse a un jefe o cuando ambos intentábamos coordinar ataques sin mucho éxito. Incluso ahora, cuando vuelvo a jugarlo solo por nostalgia, siento que falta algo sin ese amigo al lado compartiendo la experiencia.

Curiosidades:

• La versión japonesa incluye un sistema de protección contra copias que verifica la ROM al inicio. Si detecta una copia pirata, muestra un mensaje de error y, tras el segundo nivel, te devuelve al primero en un bucle infinito. Este sistema no está en las versiones occidentales.

• En el arcade original, algunos niveles usaban parallax scrolling para dar sensación de profundidad. Aunque la NES podía simularlo en juegos como Super Mario Bros. 3, Konami eliminó casi por completo este efecto en la adaptación para evitar problemas de memoria y rendimiento.

• Cuando el juego se incluyó en Teenage Mutant Ninja Turtles 2: Battle Nexus para consolas modernas, sufrió cambios debido a problemas con los derechos de la música y las imágenes originales de la serie de 1987. Como resultado, la banda sonora y algunos elementos visuales fueron modificados para alinearse con la nueva serie animada.

TMNT II: The Arcade Game no solo fue uno de los mejores ports arcade para NES; también fue una carta de amor a los fans de las Tortugas Ninja y a los beat 'em ups clásicos. Aunque tiene sus defectos, sigue siendo un juego divertido y lleno de encanto nostálgico. Su diseño sencillo pero efectivo lo convierte en una experiencia accesible incluso hoy en día, aunque donde realmente brilla es cuando se juega acompañado. Porque este juego es mucho más que un simple port arcade; es una cápsula del tiempo que captura lo mejor de los videojuegos multijugador de su época. Si tienes la oportunidad de jugarlo hoy, hazlo acompañado porque como aprendí hace años: repartir mamporros siempre es mejor si tienes a alguien al lado con quien compartir la experiencia.

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Crucigramas: De villanos culturales a pasatiempos venerados

Hoy en día, los crucigramas son ese pasatiempo que nos hace sentir más inteligentes de lo que realmente somos. Los hacemos con el café en la mañana, en el trabajo, en la sobremesa de un domingo o para fingir que leemos el periódico. Pero, ¿sabías que hace un siglo estos inocentes rompecabezas fueron considerados una amenaza para la civilización? Sí, sí, como los videojuegos, el rock and roll o... incluso los peluches. Todo empezó en la década de 1920 cuando los crucigramas se pusieron de moda en Estados Unidos. Los periódicos los publicaban con devoción y la gente se volvió adicta a rellenar cuadrículas con palabras que probablemente jamás volverían a usar en su vida. Pero, como siempre pasa cuando algo se vuelve popular, aparecieron los "aguafiestas". Los críticos los tacharon de "plaga moderna" y aseguraban que estaban pudriendo las mentes. Se decía que los oficinistas se pasaban más tiempo buscando sinónimos que trabajando, y algunos hasta vaticinaron un colapso económico porque, al parecer, si la gente resuelve crucigramas, el mundo se va al garete.

Uno de los principales enemigos de los crucigramas fue nada menos que el New York Times que en 1924 los describió como una "moda pasajera" que estaba destruyendo el lenguaje aunque, curiosamente, décadas después, ese mismo periódico se convirtió en el proveedor oficial de crucigramas para gente que quería sentirse culta en el transporte público de Estados Unidos. Pero la indignación no se limitó a los intelectuales cascarrabias pues mientras unos predecían el fin del pensamiento crítico, otros los defendían con uñas y dientes. Las librerías vendían libros enteros de crucigramas, la gente llevaba diccionarios a todas partes (Google no existía, qué remedio) por lo que la sociedad quedó dividida entre los que los amaban y los que pensaban que eran peor que la peste bubónica.

En Reino Unido, la reacción fue más relajada. Como ya estaban acostumbrados a juegos de palabras imposibles desde tiempos de Shakespeare, no se montó tanto drama. Eso sí, algunos periódicos al principio se negaron a incluirlos porque, en sus propias palabras, "esto es una frivolidad". Sí, porque claramente leer sobre política y crisis económicas es mucho más divertido.

Pero los crucigramas no fueron los únicos en ser tratados como una herejía cultural antes de volverse respetables porque la historia está llena de pasatiempos que pasaron de ser considerados amenazas a íconos de la cultura:

• El ajedrez: En el siglo XIX algunos sectores religiosos y moralistas lo veían con recelo. Se decía que era una distracción mundana que alejaba a la gente de la oración y del trabajo productivo. En algunos lugares incluso llegó a prohibirse en círculos religiosos ya que consideraban que fomentar el pensamiento estratégico y la competencia podía derivar en orgullo y vanidad, dos pecados capitales de manual. Además su asociación con tabernas y cafés (donde los intelectuales de la época se reunían para debatir sobre política y filosofía) no ayudaba a mejorar su reputación. Claro, porque mover pequeños caballitos de madera lleva directamente a la perdición.

• Los peluches: Durante la Gran Depresión hubo gente preocupada (sobre todo la iglesia) porque los niños preferían abrazar peluches en vez de jugar con juguetes "educativos". Años después, esa generación inventó el capitalismo extremo. Buen trabajo.

• El rock and roll: En los 50, los adultos aseguraban que este ritmo infernal destruiría a la juventud.

• Los videojuegos: Desde los 80 se les ha acusado de todo, desde fomentar la violencia hasta convertir a los niños en ermitaños. No es un tema nuevo en el blog pues lo he tratado en el pasado (y seguramente volveré a escribir de ello nuevamente en el futuro). Lo que no sabían es que años después, algunos de esos "ermitaños" ganarían millones en torneos de eSports.

• Los cómics: En los 50 se pensaba que incitaban a la delincuencia y, de hecho, se formaron comités para censurarlos. Hoy, esos mismos cómics inspiran grandes franquicias y películas que generan miles de millones.

¿Por qué siempre pasa esto? Bueno, porque lo nuevo da miedo. Cada generación encuentra algo que considerar "peligroso", y el ciclo se repite una y otra vez. Pero al final, el tiempo pone todo en su lugar: los crucigramas ahora son un símbolo de sofisticación mental, los videojuegos son una industria millonaria y el rock and roll es básicamente música de ascensor.

Así que la próxima vez que alguien te diga que tu pasatiempo favorito es una pérdida de tiempo, una amenaza para la moral o la causa de la inminente decadencia de la civilización, respira hondo, sonríe y piensa en los crucigramas. Sí, esos mismos que un día fueron el coco de los intelectuales y ahora son recomendados por neurólogos para mantener la mente activa. El tiempo es implacable con los dramas culturales y, al final, lo que ayer era satánico, hoy es tradición. ¿Qué dentro de cien años la gente verá TikTok como una forma de arte respetada o los memes como patrimonio de la humanidad? No apostaría en contra. Mientras tanto, disfruta de lo que te gusta sin culpa, que en el futuro serás considerado un pionero visionario en vez de un desocupado perdido. Todo es cuestión de paciencia.

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Juego 026: Alex Kidd in Miracle World para Master System (1986)

La primera vez que jugué a Alex Kidd in Miracle World fue en casa de un amigo que, contra todo pronóstico, tenía una Master System en plena era dorada de la NES. Mientras todo el mundo estaba loco por Mario y otros juegos de Nintendo; él, como un auténtico galo en su aldea de Astérix, decidió nadar a contracorriente y apostar por Sega. Nunca supe muy bien por qué se compró esa consola (quizá una oferta irresistible o un acto de rebeldía juvenil), pero gracias a su decisión pude descubrir joyas que de otra manera jamás habría jugado y Alex Kidd fue una de ellas. En su momento no llegué muy lejos en el juego. Me llamaba la atención, sí, pero no lo suficiente como para monopolizar el mando cada vez que iba a su casa. Además, ya sabemos cómo es esto: cuando dependes del horario y la paciencia de otro para jugar, engancharse de verdad es complicado. Años después, con más tiempo libre y sin la presión de compartir el mando, lo retomé y lo disfruté como se merecía.

Lo más interesante de Alex Kidd in Miracle World es que no nació con la intención de ser "el Mario" de Sega porque en sus primeras etapas de desarrollo iba a ser un juego basado en Dragon Ball. La idea era controlar a Son Goku en un plataformas lleno de acción, usando su bastón mágico para derrotar enemigos. Sin embargo, Sega perdió la licencia de la franquicia durante el desarrollo y tuvo que improvisar. En lugar de cancelar el proyecto, decidieron crear un personaje propio: Alex Kidd. Si te fijas bien en su diseño, hay algo en él que recuerda al joven Son Goku. Así nació Alex Kidd, quien durante un tiempo fue la respuesta oficial de Sega al fontanero bigotudo. Su primera aventura llegó a Japón el 1 de noviembre de 1986 y aterrizó en Europa un año después, en 1987, siendo para muchos uno de los juegos insignes de la Master System.

En una época donde los plataformas eran bastante sencillos (salta aquí, pisa allá) Alex Kidd in Miracle World destacó por sus mecánicas únicas. Además de la clásica mecánica de saltos y ataques (en este caso puñetazos con su puño descomunal), Alex Kidd iba un paso más allá, pues permitía comprar objetos en tiendas, pilotar vehículos como motocicletas o helicópteros e incluso enfrentarse a jefes jugando al... ¡Piedra, papel o tijera! Sí, nada de combates épicos: aquí todo se resolvía con un "¡1, 2, 3, ya!". Era raro, pero original. Eso sí, hubo diferencias entre versiones. La primera edición del juego (en cartucho) mostraba onigiris como comida para Alex. Pero cuando el título se incluyó en la memoria interna para el mercado occidental, Sega decidió que esas "bolitas misteriosas" eran demasiado exóticas para nosotros y las cambió por hamburguesas. También ajustaron los controles: originalmente el botón 1 servía para saltar y el 2 para golpear; más tarde los intercambiaron para hacerlo "más intuitivo". De hecho en una entrevista Kotaro Hayashida, uno de los desarrolladores, admitió que invertir los botones de salto y ataque respecto a Super Mario Bros. fue una decisión consciente para diferenciarse. Sin embargo, años después reconoció que fue un error que hacía el juego más difícil innecesariamente.

Gráficamente hablando, Alex Kidd in Miracle World era una maravilla para su época: colorido, caricaturesco y lleno de detalles. Los escenarios eran variados y los personajes tenían mucho carisma. ¿Y qué decir del apartado sonoro? Aunque sus melodías no alcanzaron el estatus legendario de las sagas Mario o Zelda, su tema principal es inolvidable si lo jugaste en su día. Eso sí, no todo era perfecto. El control era... digamos "peculiar". Alex era ágil pero resbaladizo y daba la sensación de que llevaba zapatos con mantequilla untada. Esto hacía que algunas secciones fueran frustrantes hasta decir basta (muertes absurdas incluidas). Pero claro, era parte de su encanto.

Curiosidades:

• El truco de las "piedra, papel y tijeras" no es aleatorio: Aunque muchos jugadores pensaban que los enfrentamientos de piedra, papel o tijera eran cuestión de suerte, en realidad los patrones de los jefes están predefinidos. Esto significa que, si tomabas notas o memorizabas las elecciones, podías ganar sin depender del azar.

• El característico puño gigante de Alex Kidd no fue solo una elección estética: fue diseñado así porque era más fácil programar un ataque cuerpo a cuerpo con un hitbox grande que con animaciones complejas o armas adicionales. Esto también ayudó a diferenciarlo visualmente de otros personajes de plataformas.

• Según Kotaro Hayashida, uno de los desarrolladores, el planeta Aries (donde transcurre el juego) se basó en la ciudad de Badakshan en Afganistán, tal como la describió Marco Polo en sus viajes. Esto le dio al mundo del juego un aire exótico y único que contrasta con su estética caricaturesca.

• La versión moderna del juego (Alex Kidd in Miracle World DX) añade niveles nuevos y numerosos easter eggs relacionados con otros juegos clásicos de Sega. Por ejemplo, hay guiños a Wonder Boy y Shinobi, además de detalles diseñados específicamente para fans brasileños, donde la Master System tuvo gran éxito.

Con el paso del tiempo, Alex Kidd in Miracle World se convirtió en un clásico de culto. Tanto es así que en 2021 Sega encargó un remake al estudio español Jankenteam: Alex Kidd in Miracle World DX. Esta versión modernizó los gráficos con HD y mejoró las animaciones. Aunque tuvo algunos problemas iniciales (como bugs y ajustes jugables), varias actualizaciones terminaron puliendo la experiencia. Así que si tienes oportunidad, dale una oportunidad a este pequeño héroe orejón. Puede que no sea perfecto... pero ¿quién necesita perfección cuando tienes hamburguesas pixeladas y partidas épicas al piedra-papel-tijera? Alex Kidd representa una época donde Sega aún buscaba su identidad en el mundo de las consolas y nos dejó un pedacito de nostalgia difícil de olvidar.

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